Ho deciso di scriverlo più per me che per voi, perché ho bisogno di riflettere e chiarire il vortice che sento dentro.

Iniziamo

Allora, tutto comincia sostanzialmente con l’autunno/inverno del 2018 in cui decido di installare LMMS sul portatile Windows10 per iniziare a fare musica elettronica a cazzo di cane.

Mi perdo dietro a come funziona quella merda di DAW e cmq mi sento figo: sto facendo musica che fa un sacco di rumorini carini, la faccio da solo, la esporto, la carico su SoundCloud. Sono un artista!

Inizio a comprare cose, sulla base dell’inevitabile sorgente di ogni desiderio indotto e condizionato dal mercato: i forum e i siti di recensione degli strumenti. E in quel periodo stava prendendo sempre più piede l’hipsterismo musicale di Teenage Engineering e i Pocket Operator, quindi assolutamente dovevo comprarne uno e perdere ore e ore a premere dei bottoni che manco avevano una descrizione comprensibile per sentirmi ancora più figo. E così ho fatto.

Ma era tutto troppo digitale, vuoi mettere il calore dell’analogico? Che poi, se sei capace, basta un monosynth con un po’ di parametri e ci lavori poi dopo e puoi fare tutto. E allora ho comprato un Microbrute (di cui ho già scritto in questo articolo).

Ed è arrivato il COVID-19 e tutti facevano le dirette, che io no? Avanti con sessioni su facebook da un’ora o due di pattern ripetitivi e ossessionanti che anche un gabber o un mangiapastiglie d’annata di Goa si sarebbe tagliato le orecchie pur di farmi smettere. Ma ero un artista con un pubblico potenziale!

Come mi sentivo allora?

Beh, mi sentivo un esploratore felice, come dopo la terza volta in palestra che non hai più il male della prima e vedi le braccine un po’ più gonfiotte. Fare le dirette, ma soprattutto perdermi in una trance di inseguimento di suoni senza fine e ritmi casuali, mi dava piacere e mi faceva sentire creativo.

Facevo roba tipo questa: "Metronome in love"

E poi incontri uno

E poi decido che devo assolutamente comprare una Elektron Digitakt. Cazzo, la Digitakt la usano tutti questi youtuber che seguo e da cui sto imparando un sacco di cose sugli strumenti, ci fanno cose belle e che si ascoltano volentieri e ci mettono dieci minuti: è lei la chiave!

Quindi trovo su MercatinoMusicale un tizio che ne vende una al prezzo di mercato, dalle foto mi sembra messa bene, è disposto a consegnarla a Bologna, e allora gli scrivo e iniziamo a confrontarci su che musica fai tu, che musica faccio io, cosa cerchi e perché, ecc ecc.

Salta fuori che poi alla fine la Digitakt non la vende più, che la vuol tenere, ma ci accordiamo per un caffè un giorno che è in centro. Ci vediamo, parliamo un po’, beviamo sto caffè, e mi parla di un suo progetto di formazione e produzione musicale e bla bla bla.

Io mi sento:

1. Ignorante come uno che dal partito comunista è passato a un partito xenofobo e poi ha mandato all’europarlamento uno più estremista di lui che gli ha svuotato il partito dai voti

2. Crollare le certezze che avevo fino a quel momento

3. Di aver trovato qualcosa di molto più prezioso di un nuovo strumento a buon mercato

Alla fine ci salutiamo, che lui poi era in centro per fare i passaporti di moglie e figlia per andare all’estero, ma ci scambiamo i numeri e continuiamo a scriverci.

Io, con l’egocentrismo derivante dal mio segno zodiacale, gli mando anche le mie composizioni, cui lui non risponde mai (immagino per una forma di pudore che vieta di sparare sulla Croce Rossa).

Ma imperterrito continuo, nel frattempo compro anche altre carabattole di varia natura (tastierine midi, synth giocattolo perché quello là su youtube ci fa delle robe fighissime), e continuo a produrre robe che inesplicabilmente nessuno vuole ascoltare.

Una sera mi metto lì e scientificamente riascolto tutto ciò che ho registrato e in un lampo di illuminazione che manco Siddharta realizzo: sta roba è una merda totale e lo è perché non conosci la musica.

Da domani, si volta pagina! (cit.)

Il problema è che non so suonare? Impariamo a suonare allora!

Ottimo, ho una tastiera, imparo a suonare la tastiera, non fa una piega. E la tastiera è un pianoforte, quindi ci vuole un metodo per pianoforte, quindi ordino il Beyer su amazon.

Credo di non essere arrivato alla decima pagina, però con una certa costanza durata il tempo di capire che era un po’ tardi imparare il piano e che, soprattutto, io non voglio essere uno strumentista.

Quindi chiamo l’uomo incontrato qualche mese prima e gli chiedo se può insegnarmi la musica.

Mi fa un colloquio di due ore per capire che cosa voglio io, che impegno ci voglio mettere e spiegarmi che cosa vuole lui da questo percorso.

In breve, iniziamo a fare lezione ogni settimana, mi spiega le cose, mi porta a capirle e io sono contento. Faccio un po’ meno pocci musicali di prima, ma almeno sono contento e inizio a capire cosa sto facendo.

Viene il tempo di darci un obiettivo concreto: facciamo un EP (4 brani) a tema colonne sonore dei giochi SNES anni ‘90.

E lo facciamo per davvero, si può anche ascoltare gratis (e anche comprare la versione fisica in audiocassetta, nel caso scrivetemi che ve la mando):

Windy Shores

Però bisogna essere onesti

Passata l’ubriacatura per aver fatto qualcosa di tangibile, aver provato anche a promuoverlo sui social giusti, ecc ecc, mi sono reso conto di due cose:

1. Quell’EP era stato fortemente influenzato dal mio Maestro, che aveva guidato molte parti della composizione e dell’arrangiamento più verso il suo gusto che il mio (e io gliel’avevo lasciato fare, perché è il mio Maestro);

2. Avevo speso un sacco di soldi per avere uno scatolone di audiocassette che nessuno avrebbe mai comprato nella vita.

Ma ero contento? Beh, sì, un pochino ero contento perché comunque quella roba è roba mia, il concept è mio, le idee su cui abbiamo sviluppato il tutto sono mie e quindi dai, alla fine è qualcosa che ho fatto.

Ma ero davvero contento? Beh no. Quella musica non mi fa venire voglia di riascoltarla, l’arrangiamento è molto denso per i miei gusti e alla fine mi sembra più un esercizio di stile che una composizione sensata.

E io il Nintendo non ce l’ho mai avuto, tra l’altro.

Però la voglia di imparare e di imparare tanto c’è, quindi chiarimento con il Maestro è necessario e si riparte insieme.

It’s a long way to Tipperary

Bene, siamo a dopo l’estate 2022, Windy Shores è uscito, i miei amici stronzi sinceri lo hanno già ribattezzato Sandy Whores ed è tempo di rimettersi a studiare.

Con il Maestro andiamo su roba più difficile, poliritmie, armonia non funzionale, modi e modulazioni più complesse, insomma io gli ho detto che voglio imparare le cose difficili e lui mi fa pedalare.

Sono felice come un bambino da Toys: si aprono orizzonti, capisco perché le cose vanno in un certo modo, mi vengono idee e le esploriamo. E bestemmio tantissimo, sono stanco, è il periodo in cui facciamo lezione di notte che nel frattempo lui si è trasferito in Olanda e io ho cambiato azienda e non riusciamo più a far lezione di giorno. Poi, già che c’ero, abbiamo messo al mondo il secondo figlio (con mia moglie, non con il Maestro).

Acquisisco fiducia nelle mie capacità e, finalmente dopo 3 anni di studio insieme, riesco a scrivere qualcosa che sento mio e che, ed è la soddisfazione più grande finora, che piace al mio Maestro.

Ci lavoriamo un annetto e alla fine esce il mio secondo EP:

DROPS

Drops rappresenta ciò che volevo fare fin dall’inizio del mio percorso: un album strumentale che unisse timbri classici (ci sono archi, fiati, ecc) e sintetici, che comunicasse ciò che avevo dentro, che avesse una narrazione intima e aperta all’interpretazione dell’ascoltatore.

Beh, non è un’opera che verrà suonata nei secoli, ma è quello che volevo fare e l’ho fatto.

Ed è piaciuto anche al mio Maestro, per cui tombola!

Il tempo attuale

Dopo Drops mi rendo conto che le produzioni successive sono quasi un esercizio meccanico: ho un’idea, apro Ableton, butto giù al piano gli spunti melodici, orchestro l’armonia e arrangio i timbri, diciamo che in due o tre ore l’ossatura molto grezza del brano è fatta.

E sono felice, perché ho finalmente imparato a padroneggiare le basi di un certo tipo di composizione, posso finalmente vivere il fare musica con gioia e (quasi) spensieratezza.

Sì, perché da quando ho iniziato a studiare, circa 5 anni prima, il principale pensiero associato alla musica era “fatica e sacrificio”.

Mi divertivo, ok, imparavo, ok di nuovo, ma non ero spensierato: io la musica la facevo soffrendo, bestemmiando quando non capivo, bevendo ettolitri di caffè e te per arrivare alle due del mattino vagamente sveglio.

Finalmente potevo essere sereno.

Ma io sereno non ci so stare, che poi mi annoio, quindi d’accordo con il Maestro rimettiamo in gioco tutto: devo imparare a comporre su uno strumento, stop con mettere i quadratini su Ableton (e spesso fare roba insuonabile nella realtà).

Scelgo la chitarra.

Un po’ perché è lo strumento che avevo iniziato a studiare a 8 anni, un po’ perché almeno so dove mettere le dita (l’automatismo acquisito non l’ho dimenticato).

Così si apre un nuovo periodo, che è quello in cui sono ora, in cui scrivo sulla chitarra.

Ed è un periodo strano, in cui sto mettendo a frutto le conoscenze acquisite ma al contempo mi sembra di essere ritornato indietro, all’inizio in cui tutto era lento e per fare un minuto di brano ci mettevo tre mesi.

Ho voluto smettere di annoiarmi? Cazzi miei.

Questo mi ha portato negli ultimi due anni ad aver migliorato la tecnica con la chitarra e il basso, anche se sono un cane di strumentista, e mi ha portato ad avere voglia di suonare con qualcuno.

Ho scritto, o meglio ho registrato, l’ossatura del prossimo EP, i brani sono piacevoli e ho voglia di riascoltarli.

Ma c’è un problema che mi spegne un bel po’ : non so risuonare la musica che registro e, soprattutto, non me la ricordo.

Questo oggi è ciò che mi ferma dal finire quei brani, dal trascriverli su uno spartito così da poter trovare qualcuno che li suoni con me (o anche al posto mio), dall’arrangiarli aggiungendo magari qualcosa di sintetico che ci può stare.

Quindi

Beh, intanto scrivere questo pippone mi ha aiutato a mettere finalmente nero su bianco che mi vergogno di non saper suonare.

Mi ha anche aiutato a riconoscere che i nuovi brani mi piacciono, mi ha fatto piacere crearli e mi fa piacere riascoltarli.

Quindi ci vuole solo il coraggio di fare un (altro) bagno di umiltà, di riconoscere che la strada da fare è tanta e che, come è stato in passato, questa strada la posso percorrere tutta.

E se avrò bisogno di qualcuno che mi accompagni, c’è sempre il mio Maestro.

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Io invece non riesco mai a lasciare andare del tutto le cose, le persone, gli hobby, sarà perché mi ci dedico anima e core, sarà perché poi non si sa mai.

Da qualche anno ho provato ad adottare un metodo di auto-aiuto, riassumibile con:

• Se non lo usi per sei mesi, allora vendilo

Così negli ultimi ho venduto diversi strumenti, effetti, ciarpame MIDI utile solo a chi lo produce, ecc ecc.

Al momento ho in vendita un piano digitale, provo anche qua a spammare sia mai che qualcuno lo voglia.

Non ho però venduto la Novation Circuit, per quanto abbia riposato almeno due anni nell’armadio, sepolta da altro ciarpame inutilizzato.

Cosa fa la Circuit

Stando a quanto dichiara Novation: “Circuit di Novation è il partner perfetto per aiutarti a dare vita alle tue idee e creare performance mozzafiato”.

Anche meno enfasi, per cortesia: Circuit, e le sue figlie Circuit Tracks e Circuit Rythm, sono delle groovebox, cioè sono degli strumenti che integrano tracce di batteria, synth e un sequencer, tipicamente in un formato portatile, alimentato autonomamente, con forti limitazioni che ne costituiscono il punto di forza se si è un po’ più creativi di un burocrate sovietico nel 1955.

In sostanza il musicista accende l’oggetto e compone nel rispetto dei limiti dell’oggetto, cercando di tirare fuori qualcosa di interessante.

La Circuit ha forti limiti legati soprattutto al fatto che è una macchina vecchia: è nata nel 2015, ha 60 secondi di memoria per i sample, non ha Audio over USB, ogni pattern ha 16 steps, ecc.

Perché è bella

E allora perché è una figata pazzesca il cui prezzo dell’usato non cala da anni?

Perché ha un workflow semplice e lineare, perché ci sono ottimi tutorial fatti negli anni, perché è stabile e consistente.

La semplicità di workflow si traduce nell’avere una curva di apprendimento non troppo ripida, a differenza di prodotti sicuramente più potenti ma più ostici (Elektron, giusto per non fare nomi), che quindi risulta piacevole per i principianti. Inoltre, per chi è più esperto, risulta veloce riprenderla in mano dopo lunghi periodi di inutilizzo: oggi, dopo due anni nell’armadio, in 20 minuti avevo una base di batteria e accordi su cui mettermi improvvisare con altri strumenti.

I tutorial di creator come Ricky Tinez, BoBeats, e altri, sono stati fatti con l’obiettivo di dare consigli pratici, cosa che su un oggetto semplice come la Circuit significa un ottimo ritorno dell’investimento sulla formazione. Con le macchine più complesse questo semplicemente non è possibile perché l’eccessiva semplificazione non mostra le potenzialità del prodotto, e le case produttrici smettono di mandare materiale ai creator se questi non fanno pubblicità e generano vendite.

La stabilità del firmware e la consistenza dell’interfaccia fanno dimenticare che si ha davanti un oggetto digitale, e in un mondo in cui tutto è lento perché deve aggiornarsi, deve caricare roba dal cloud di chissà chi, deve interrogare l’AI, ecc., è una gran bella boccata d’aria fresca. Per dire, si accende ed è operativa in meno tempo del resume di un macbook ultima generazione da 3000 euro, è la stessa sensazione di quando hai voglia di suonare e prendi la chitarra che è già accordata, o alzi il coperchio del pianoforte.

E il futuro?

In effetti Novation ha poi rilasciato le figlie della vecchia Circuit (che nel settore non a caso è chiamata Old Good Circuit), cercando di accogliere le rimostranze che gli utenti hanno alzato negli anni, tra cui ad es. l’impossibilità di campionare on the fly, l’alimentazione a pile AAA, le dimensioni ingombranti.

In effetti hanno risolto tutti questi limiti, ma a che prezzo? Al prezzo di aver fatto due macchine che non hanno lo stesso feeling, che non hanno le potenzialità di sampler veri come la SP404 di Roland o le varie MPC di Akai o altre ancora.

Insomma, le nuove Circuit non sono né carne né pesce. E i prezzi sul mercato dell’usato lo confermano: si trovano allo stesso prezzo delle OG Circuit…

Ma pochi giorni fa Akai ci ha stupito rilasciando quella che molti stanno considerando la nuova Circuit, cioè MPC Sample. Chi vivrà vedrà.

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Perché negli ultimi mesi, almeno gli ultimi due, ciò che mi ha salvato è stata la musica ascoltata, suonata e scritta, esattamente in quest’ordine.

La musica ascoltata

Sono in un periodo poco monotematico, il che è strano per me che di solito ascolto lo stesso disco a ripetizione per giorni, quando ne incontro uno che ne val la pena.

In questi mesi ho ascoltato principalmente (a sensazione, niente statistiche Spotify o YT):

• Suzanne Vega

• MONO

• Totorro

• Alice Duport-Percier (sia la colonna sonora di Expedition 33 che i suoi lavori precedenti)

• The Toy Dolls

• Twisted Sisters

Sono gruppi e generi sufficientemente differenti, dal cantautorale east coast di Suzanne Vega, alla lirica di Alice Duport-Percier passando per il punk dei Toy Dolls e la musica colta moderna dei giapponesi MONO.

Ogni ascolto, ogni disco, ogni suono mi è servito a qualcosa: in alcuni momenti anche a smorzare attacchi di ansia alla guida, in altri a trovare una forma di ispirazione negativa (cioè “cosa non comporrò”).

Mi hanno anche dato un po’ da pensare e da confrontarmi con i miei limiti, ad es. mi rendo conto che, a differenza del passato, oggi non mi viene in mente un testo su niente. Non mi viene proprio in mente un tema su cui inizino a fluire parole e versi, come se non avessi niente da dire su nessun tema.

La musica suonata

Citando Elio: “Sono bravo, diciamolo, sono bravo”. Ecco no, non sono bravo in senso assoluto ma sono più bravo del me dello scorso autunno o di un anno fa. Incredibilmente, suonare con costanza aiuta a migliorare, nonché ad incazzarsi con se stessi per non riuscire a suonare bene come si vorrebbe. Ma un dato interessante c’è: adesso mediamente ci metto dalle 40 alle 60 take consecutive per fare una parte in modo che possa scrivere “decente” nella sua descrizione, a ottobre me ne servivano tra le 100 e le 140. Quindi va bene, mi ripeto “va bene, Franz, puoi essere contento”.

E il bello è che l’ultima lezione è iniziata con il mio maestro che mi ha ringraziato per i progressi che ho fatto, perché questo fornisce un senso al suo insegnare. Son contento, è una forma di riconoscimento che non mi aspettavo e che, devo stare attento a farlo, è opportuno che apprezzi e conservi come preziosa.

Sto quindi suonando prima che scrivendo, prendo in mano la chitarra prima (e invece) di accendere Ableton o GuitarPro per scrivere la musica e ne sono contento. Rimane solo il fatto che suono principalmente musica estemporanea di matrice abbastanza triste, per quanto il lato positivo è che chi la ascolta la trova generalmente “triste ma bella”. Sarà anche che i due brani che sto imbastendo sono dedicati a due persone morte, ma magari poi evolvono e si aprono.

La musica scritta

Io a scrivere la musica mi rompo le palle, come a mangiare le fette WASA con il burro d’arachidi a colazione. Ma entrambe le cose mi fanno bene, soprattutto le fette WASA, per cui come una medicina le sorbisco nel minor tempo possibile.

Quindi poi succede che la musica la scrivo per un motivo di mancanza di memoria: se non fisso ciò che suono, al di là della registrazione, poi mi dimentico cosa ho creato. Non che l’umanità ne soffra, ma io sì che soffro se una cosa che mi piaceva non me la ricordo.

Però ho imparato a tollerarmi, o meglio ho iniziato a farlo, quindi non è che scrivo proprio tutto quello che creo, diciamo che scrivo più che altro i “motivi” e le progressioni armoniche. Il basso, per dire, non lo scrivo mai, povero basso.

La musica letta

Ho sospeso la lettura dei mattoni di teoria e filosofia musicale, mi sembra un po’ una perdita di tempo perché non ho la costanza di essere continuativo o prendere appunti, quindi quando riprendo un testo (tipo Boulez “Pensare la musica oggi”) devo ripartire o tanto vale leggere gli esercizi di stile di Queineau.

Quindi sto leggendo “I fiori blu” di Queineau, che mi fa ridere da matti, e ogni tanto riapro “L’essenza” di Battiato (la raccolta di frasi che ha pronunciato in vita) e sono felice così,

Però il curatore de “L’essenza” avrebbe potuto evitare di duplicare alcune citazioni, lo trovo fastidioso.

La musica “letta” nel senso di “leggere partiture” non alberga a casa mia, almeno per il momento, perché non devo dare solfeggio al Conservatorio e non ho né voglia né tempo da dedicare a questo compito.

Gli aspetti sociali

Il mio obiettivo musicale del 2026 sarebbe quello di riuscire a suonare con qualcuno.

Quindi ho iniziato la ricerca di musicisti, qualcuno mi ha anche contattato e qualcuno l’ho sentito anche via whatsapp.

Forse sono troppo “choosy”, ma alla fine non ho suonato con nessuno finora. Poco male, è il primo febbraio e di tempo ce n’è. Poi se devo suonare roba che non mi va di suonare per il solo gusto di suonare con qualcuno, allora non credo che mi divertirei più di tanto e cortesemente declino.

Negli aspetti sociali dovrei mettere anche il supporto di amici e parenti, che è in aumento (gli amici che ascoltano, già detto sopra) e in calo (ormai in famiglia nessuno ascolta quando metto su qualcosa di fatto da me). Come mi fa sentire questo? Mah, forse preferirei che mi apprezzassero di più in famiglia, ma è anche vero che alla fine loro vogliono ascoltare “Cuoricini” e Radio DeeJay per cui non posso sperare che apprezzino roba di nicchia.

A livello di piattaforme, continuo a usare Spotify ma ormai da diverso tempo ho tolto tutto lasciando solo Bandcamp e Soundcloud, finché durano. In generale pubblico poco o niente, anche perché non ho molto da buttare su.

Quindi

Sto giro ho scritto “quindi” e non “quindi?” perché scrivere questo resoconto mi ha dato pace e in verità non è che ci sia un “next step” da fare.

Anzi, visto che se sto qua a scrivere poi non suono, adesso ciao che vado a suonare.

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La cosa buona è che non ho perso la voglia di suonare e scrivere, anzi mi sono pure regalato una nuova chitarra elettrica da barboni e quindi bisognava suonarla.

E quale migliore catarsi che usare qualcosa di nuovo e piacevole per esorcizzare la perdita di un amico?

Quindi ecco qua il brano, ascoltatelo se vi va.

Bigio su soundcloud

Ho parlato con un po’ di persone, ho capito metodi e logiche del mondo videoludico, ho capito cosa ci si aspetta da un compositore per videogiochi.

E ho ringraziato che lo stipendio lo prendo in un altro modo, ma questa è un’altra storia.

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Il gioco dell’anno, ma poi no

Quando ho visto che agli IGA (Indiependent Games Award) il gioco del titolo aveva stravinto tutto, mi sono messo a guardare il gameplay ma soprattutto ho cercato su spotify la colonna sonora ed eccola qua:

• sono 7 ore, vi lascio il link ma vi capisco se skippate dei brani: questo link

Lorien Testard, che è il compositore, dice in un’intervista che l’ha composta da solo e se è vero io gli faccio i complimenti perchè è proprio una bella colonna sonora.

Ed è un oggetto musicale che merita di essere ascoltato anche se non interessa il gioco e la sua storia (che trovo comunque molto azzeccata).

Che cos’ha di così bello?

Per me il gioco è bello per la sua storia e i personaggi. Che non è poi così scontato, in un periodo di giochi fotocopia FPS dove devi uccidere gente e la parte di "campagna single player” è spesso sacrificata se non addirittura assente.

Insomma, è un gioco la cui storia ti assorbe e ti porta in viaggio con lui, e per me questo è molto bello, oltre al fatto che quando arrivi in fondo cambia tutto e non dico altro che se no è uno spoiler.

Ma dicevamo della musica

Scrivere musica per un videogioco o, per meglio dire, sonorizzare un videogioco è un lavoro complesso e molto distante dallo scrivere musica per altri media, per non parlare dello scrivere musica per la musica.

Di base, ci sono 3 componenti che vanno affrontate:

• I suoni dell’interfaccia, ovvero tutti quei suoni cui nessuno fa caso tipo i “bip” quando ti muovi nei menu, quando scegli le opzioni, quando “torni indietro”, ecc. Esistono, gli utenti si aspettano un certo livello di coerenza ma non puoi copiare quelli che c’erano nei giochi precedenti, sia per copyright che per riconoscibilità;

• I suoni delle azioni di gioco, ovvero i suoni che senti quando il personaggio salta, quando sguaina la spada o ricarica un fucile o raccoglie una moneta (pensate al rumore di Mario quando sale su un fungo 1UP, ad esempio);

• La musica degli ambienti, che è poi quella che assomiglia di più al lavoro di composizione nell’accezione classica del termine. Peccato che di “ambienti” o “scene” ce ne siano centinaia in un gioco e, spesso, il passaggio da uno all’altro richieda che la musica sia un collante uditivo che mantenga la coerenza stilistica nel cambio di mood della scena (es. nel passare da un campo lussureggiante sotto al sole a una foresta infestata tetra e pericolosa).

I primi due punti sono più legati al sound design, non sono per niente banali ma complessivamente sono la parte “semplice” del lavoro.

La difficoltà è il terzo punto, perché appunto le scene sono molte, le transizioni possibili seguono la libertà narrativa decisa dai game designer (es. se da un posto posso andare in un solo posto, allora facile; se posso andare in cinque posti diversi, con caratteristiche molto distanti, allora soccazzitua), la produzione vuole che ci sia un “tema cantabile e riconoscibile” del gioco di modo che anche auralmente gli utenti si leghino al gioco.

Secondo me è proprio in questo che Lorien Testard, e i suoi aiutanti, sono stati bravi: nel riuscire a creare molte variazioni sul tema principale, mantenendo la riconoscibilità del tema stesso senza citarlo esplicitamente in ogni brano. Inoltre anche riuscire nell’impresa di creare temi specifici per i vari personaggi mantenendo il senso di appartenenza alla squadra non è un compito facile.

Se devi fare un team, visivamente creerai un logo del team e lo appiccicherai sulle uniformi dei membri del team: se c’è un mech di 5 metri super corazzato, lo avrà sul petto o sull’elmo, se c’è una maga discinta lo avrà su quel minimo di stracci che le metti addosso per passare il rating, e via dicendo. Magari il logo cambia pure nell’evoluzione di gioco perché, invento, il team passa attraverso una pioggia acida che scolora il logo trasformandolo in una sua versione più tetra o eerie. Insomma, gli occhi sono, a mio modesto avviso, più facili da ingannare dell’orecchio.

Con il suono e la musica non è così facile, se riproponi un motivo (che è l’equivalente del logo) semplicemente spostandolo di altezza, allora ti sgamano subito e fai una roba un po’ mediocre. Ci sono metodi più articolati, che un compositore scafato come Testard conosce, ma usarli in modo efficace non è che te lo insegnano a scuola.

O meglio, sì te lo insegnano, una su tutte la “cadenza” del sistema tonale, ma che due maroni: funziona, come il pop, ma stanca. E se fai videogiochi, magari che richiedono decine di ore per essere completati, quello che vuoi evitare è che la gente finisca in tunnel ipnotici prevedibili che contribuiscono alla frustrazione dei momenti in cui il giocatore si blocca.

Ascoltando le sette ore di colonna sonora non si percepisce questa paralisi ipnotica, ma si percepisce la manipolazione del tema principale, l’articolazione dell’orchestrazione per dare a ogni personaggio e situazione “il suo timbro”, la capacità di mantenere coesa un’opera musicale senza rinunciare alla varietà. Devo dire che mi sono trovato spiazzato in alcuni passaggi (la colonna sonora rispecchia la progressione delle scene di gioco, non è scontato) per la capacità del compositore di passare tra generi molto distanti (es. composizione orchestrale verso generi pop/dance) in modo fluido e non fastidioso.

Quindi?

Il “quindi” è semplicemente riconoscere e apprezzare l’opera di un compositore capace, su un ambito difficile, con un tempo tutto sommato non lunghissimo (se ricordo giusto ha dedicato 4 o 5 anni alla produzione della colonna sonora).

Quindi bravo, e molto, Lorien Testard.

E grazie per qualcosa che si può ascoltare con piacere anche se non si vuole giocare: era dai tempi della colonna sonora di Silent Hill 2 che non provavo una sensazione simile.

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PS: Lorien Testard e Alice Duport-Percier insieme ai musicisti saranno in tour europeo nel 2026, in Italia a Milano.

Sono tirchio perché non amo spendere a cazzo di cane i miei soldi, o quelli degli altri, ma credo che la più grande ribellione al consumismo sia scegliere con oculatezza a chi dare il proprio denaro.

Sono spendaccione perché non mi interessa fare il “big deal”, non mi interessa trovare la “super bazza” dell’outlet, e se una cosa la voglio per davvero la compro. Ho la fortuna di poterlo fare, di non dover contare gli euro, li spendo e non mi sento in colpa.

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L’unione di queste due cose mi porta quindi a possedere relativamente poche cose ma tutte di estremo valore per me, al di là del prezzo, e quindi mi sento in diritto di scriverne.

ze best tuentituentifaiv bai

Nel 2024 ho comprato strumenti musicali, un digital piano, una chitarra e un basso, perché mi ero rotto le palle di scrivere musica come fosse Excel e di suonare una 32 tasti come strumento.

Ho fatto bene, quest’anno più o meno li ho usati e studiati tutti, sono progredito nella tecnica strumentale e mi hanno aiutato a comporre in un modo differente e complementare a come facevo con Excel, pardon, con il piano roll della DAW.

Sì, ovviamente il progresso è anche dovuto al mio maestro che mi ha guidato e spronato a fare esercizio e non mollarci. Grazie Maestro.

Su MercatinoMusicale ho una serie di “Avvisami” per le robe più disparate, adesso in particolare sto cercando di trovare una simil-telecaster non devastata a meno di 100 euro, ma non ho comprato nessuno strumento in tutto il 2025.

Invece ho comprato due cose essenziali per suonare di più e per avere meno rotture di palle nel flusso creativo.

No, non ho comprato un nuovo mac o un ipad, sono anche quelli in wishlist ma non mi servono ora.

Ho comprato….

1. Un supporto doppio per chitarra e basso, 22 euro o giù di lì.

2. Un pedale di espressione, 15 euro di lusso sfrenato.

Uai?

Beh, facile: se gli strumenti li hai a portata di mano, li suoni. Se ti viene in mente che hai voglia di provare una linea di basso e il basso è nella sua custodia, dietro a cazzabubboli da spostare, devi cercare il cavo, ecc ecc, 9 volte su 10 la linea di basso la provi con la tastiera che hai davanti e il basso rimane al suo posto.

Ma non è la stessa cosa.

Da qualche mese invece loro sono lì, a 40cm scarsi dalla mia mano destra, ognuno con il suo cavo attaccato, se ho voglia (anche durante le call pacco del mio lavoro, ma non ditelo ai clienti) imbraccio basso o chitarra e suono.

Che é un po’ lo stesso motivo per cui la mia scrivania è cosparsa di fogli bianchi: se suono una cosa e mi piace per davvero, la scrivo. Poi la registrerò, la affinerò, o più probabilmente la trasformerò in qualcosa di meglio.

Il pedale di espressione invece è stata una scommessa: il mio maestro continuava a spingermi a prenderlo, per poter variare robe mentre suono, e a me tirava il culo spendere i 15 euro e quindi non lo compravo. Poi un collega mi ha fatto girare le palle e l’ho comprato, classico meccanismo da rilascio di serotonina facile, e bene così.

Con un minimo di conoscenza di come funziona il midi map sulle daw, il pedale di espressione è utile a fare quelle cose tipo:

• passare in modo continuo da un arpeggio con delay a un paddone di riverbero, magari fermandosi a un punto in cui hai entrambi con i volumi che vuoi te

• pilotare in continuo un pitch shifter e impazzire

• gestire il dry/wet di un effetto

• variare il numero o la density di un granulatore

• boh, domani proverò qualche altra cosa

Ah, ovvio che anche un pulsante (cioè un pedale sustain) è molto utile (es. per accendere e spegnere un looper, o il freeze di un riverbero o boh), ma quello ce l’avevo già insieme al tastierone.

ze succ of ze stori

Il succo è sempre quello: i video dei synthfluencer sono belli, alcuni anche divertenti, ma sono lì per farti spendere soldi in cose che non ti servono.

Io sono qui per dirti che bastano 40 neuri scarsi per aprire più possibilità esecutive e compositive di un nuovo synth da millemila euro (o di una “chitarra da dentista”.)

Ricordo ancora quando raggiunsi, risparmiando sulla benza del motorino, le agognate 175.000 lire per comprarmi un Boss CH-1, pedale stereo chorus: mi sembrava una roba spaziale, con i suoi pomellini che davano corpo e spazio al suono.

Poi ho venduto tutto, mi sono dato all’informatica e ad altri piaceri e per 30 anni non ho più toccato uno strumento.

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Da qualche anno ho ripreso in mano la musica e da un paio d’anni anche chitarra e basso, ma il mondo è molto cambiato:

1. Non ho più i capelli arancioni, preferisco il grigio (bella grazia che abbia ancora capelli)

2. Non ho un ampli, o meglio ho uno Spark che sostanzialmente è un emulatore di ampli integrato in una cassa da casa

3. Non ho più un PC 486DX2 con 4MB (MB non GB) di RAM, ma un mac mini M1 con 16GB di memoria

4. Esistono una marea di software che processano l’audio in digitale, che 30 anni fa non c’era proprio la tecnologia per farli (non era un tema di “how much”, proprio non si poteva fare)

5. Adesso ci sono anche schede audio economiche, tipo Behringer, che vanno più che bene (spoiler: se suona male, non è la scheda audio ma sei tu)

Quindi?

Voglio solo condividere la mia esperienza, perchè magari a qualcuno dei miei 13 iscritti è utile.

Quando ho attaccato la prima volta la chitarra alla scheda audio ero preoccupato della latenza, cioè quel ritardo che intercorre tra quando tocchi una corda e senti il suono nelle cuffie (ho finito per non usare lo spark nel 90% delle volte, magari ne parlo dopo).

La verità è che la latenza complessiva del mio setup attuale è inferiore ai 10ms, cioè mendo di un centesimo di secondo: strabiliante tecnicamente e impercettibile auralmente.

Per capire cosa c’è di strabiliante vi descrivo cosa accade quando suono:

1. la corda vibra e eccita il pickup della chitarra, si genera un segnale elettrico che arriva alla scheda audio: questa roba c’è anche se usi un ampli, quindi non è rilevante

2. la scheda audio fa la conversione A/D, cioè trasforma in digitale il segnale elettrico della chitarra, usando un componente che si chiama ADC/DAC (avessimo vinto noi le guerre coloniali, si chiamerebbe: convertitore analogico-digitale/digitale-analogico). Questo introduce latenza.

3. la scheda audio prende il segnale digitale e lo impacchetta in “roba” che manda via USB al mac. Questo introduce latenza.

4. il mac (semplifico) spacchetta la “roba” USB, capisce a quale programma è destinata (Ableton nel mio caso) e gliela porge gentilmente. Questo introduce latenza.

5. Ableton prende il segnale digitale e lo modifica per allinearlo al modo in cui lo processa internamente (tecnicamente: se i campioni in ingresso hanno una risoluzione diversa da 64bit, li allinea a 64 bit perchè internamente lavora a quella risoluzione, di modo da evitare il clipping digitale del segnale, almeno in teoria). Questo introduce latenza.

6. Visto che sono matto, non mando direttamente il segnale in ingresso verso la traccia che contiene gli “effetti”, ma lo faccio transitare per una traccia pulita che non fa altro che servire a poter essere presa da più tracce a valle. Questo introduce latenza.

7. Finalmente il segnale arriva alla traccia che ha dentro un rack di effetti che fa cose tipo: riverbero, distorsione, granulatore, compressore, delay, ecc. Ognuno di questi componenti… introduce latenza, esatto.

8. In fondo alla catena degli effetti c’è il nostro bel amp simulator, cioè un programma che prende il segnale in ingresso e lo modifica per farlo suonare come se uscisse da un ampli vero con una cassa vera messa in un ambiente vero. I calcoli necessari a fare questa roba sono, scientificamente parlando, una vaccata al punto che un pc di 10 anni fa non è detto che sia in grado di reggerli, 20 anni fa proprio non c’era un pc che potesse farli girare in tempo reale. Questo introduce, se il pc/mac non ci sta dietro, una vaccata di latenza.

9. Ricordate: meno di 1 centesimo di secondo, e non siamo ancora alla fine del viaggio del nostro suono.

10. Adesso il suono viene mandato alla traccia main/master, cioè quella cui sono virtualmente attaccati gli altoparlanti.

11. Ableton prende il segnale e lo riconverte al livello di risoluzione desiderato dalla scheda audio (io uso 32bit, ma le schede più fighe arrivano anche a 96bit), poi lo passa al mac che lo trasforma in “roba” pacchettizzata per essere inviata via USB alla scheda audio. Sì, anche questo introduce latenza.

12. La scheda audio prende la roba USB, la spacchetta, la passa al DAC che la trasforma in un segnale elettrico analogico che va al preamp e poi, dopo tutto sto giro dell’oca, arriva alle cuffie e alle mie orecchie.

Tutta sta roba avviene in meno di un centesimo di secondo, per me è incredibile.

E ancora più incredibile è che questo valore non cambia anche se contemporaneamente un amico suona il basso (sempre dentro la scheda audio), se ci sono synth virtuali che generano suoni, ecc.

Interessante, ma dove vuoi arrivare?

Sostanzialmente voglio dire che, nel 2025, con meno di 1500€ tutto compreso (mac, monitor, chitarra, scheda audio, cuffie, qualche cavo) possiamo avere la libertà di suonare e plasmare il suono a un livello che 20 anni non si poteva fare, anche se ti chiamavi The Edge e avevi i milllioni in banca.

Quindi credo che sia sempre più importante il primo anello della catena, cioè l’uomo che scrive la musica, che la esegue, che pensa a cosa vuole comunicare: non rinunciamoci.

Di solito questo scatena reazioni del tipo “Ah, allora fai il DJ?” o anche “Ah, ma la musica col computer la san fare tutti, prova a suonare uno strumento vero” e altre amene minchiate cui di solito rispondo colpendo l’interlocutore dove fa più male (i miei preferiti sono i ciclisti elettrici, si incazzano a morte quando gli dico “certo che a pedalare col motore son buoni tutti..”).

No, non faccio il DJ e sto provando a suonare uno strumento vero, ma Ableton comunque rimane il “dove arrivano i miei suoni”, che siano fisici o sintetici.

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Quando tu lo apri, il programma, ti presenta il “set di default” che in pratica è come quando inizi a disegnare e tiri fuori il blocco e la scatola di matite colorate: se invece che essere in ordine sono tutte mischiate, provi disagio e pensi “uff… dovrei mettere a posto quei verdi, non si possono vedere così mischiati coi rosa”.

Così stasera l’ho fatto, ho messo a posto il default set come piace a me, ed è venuto fuori questo:

Già, è nero e vuoto come il cuore di un fascista, però molto più utile:

• Ho raggruppato tutti gli strumenti sintetici nel loro gruppettino

• Le percussioni hanno il loro gruppettino

• La chitarra e il basso hanno ognuno il proprio gruppettino

• Le Record Tracks hanno il loro gruppettino

• Vabbè, ho lasciato quei due effetti (my guilty pleasures) da soli, sticazzi

A cosa serve? Come influenza il processo creativo?

Bah, non lo so, non sono così intellettuale da riuscire a razionalizzare causa-effetto di ogni settaggio, ma ho una risposta: serve a perdere meno tempo!

Quindi l’impatto sul processo creativo è che adesso è tutto pronto per essere usato, ha tutto una logica, i “cavi” sono attaccati sempre e nel modo corretto.

E non potevi farlo prima?

In verità non è la prima volta che ci provo, ma probabilmente questo è il momento giusto perchè solo dopo 5 anni ho capito come mi serve il default set.

Quindi questa pulizia di fine Settembre è in verità il compimento di un percorso di maturazione tecnica e creativa personale, che è temporaneo e cambierà ancora lungo il percorso di studio.

Ma oggi sono contento di aver sistemato sta cosa, e volevo condividerlo.

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Post Scriptum

io ci ho provato ad ascoltare Hello_World dei Pinguini Tattici Nucleari ma, cane del demonio cane, ci son meno luoghi comuni ai bar dei vecchi di un borgo di montagna e non ce l’ho fatta: mi fanno cagare i Pinguini Tattici Nucleari, lo confesso senza vergogna.

Già definire “studio” una stanza in cui non ci sono altoparlanti/monitor è pomposo, ma alla fine questo è: il luogo in cui studio, principalmente musica, e lo amo e lo difendo con i denti dagli assalti dei familiari che vorrebbero un secondo bagno o non so che altro.

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Nel mio studio ci sono cose piccole tranne una: un piano digitale a 88 tasti di dimensione regolare. Non è un piano lussuoso, tipo Roland o Yamaha con tasti pesati e mobile laccato che fa tanto chic, ma è uno strumento onesto e, se ho capito giusto, fabbricato pure in Italia nella patria dei sintetizzatori (le Marche).

L’ho comprato direi un paio di anni fa, ormai il tempo passa più veloce di quanto mi diventino bianchi i capelli, da un chitarrista che l’aveva comprato per fare dei pad per riempire i brani del suo gruppo metal-qualcosa o post-qualcosa, che ovviamente si è sciolto e lui si è trovato sto coso in mezzo a casa. Così l’ha venduto a me, che per un po’ di mesi l’ho tenuto nella sua borsa, l’ho suonato appoggiandolo sul tavolo da pranzo fino a quando non mi sono messo con il configuratore Ikea a cercare un setup decente per il mio piccolo studio.

E l’ho trovato il setup: due scrivanie compatte, tipo 1,60 m x 80 cm scarsi, messe una di fronte all’altra e una sedia girevole “da regista” nel mezzo, così che tutto sia a portata di mano e basta uno “swirl” e passo da questa tastiera al piano digitale.

Ed ero molto contento, perchè finalmente tutto era permanentemente montato, i cavi USB e MIDI collegati, la scheda audio con il suo posto sotto al monitor, ecc ecc, così “quando hai voglia di suonare basta accendere e addio tempo sprecato a montare tutto”.

Ma mio padre mi ripeteva spesso che “la via per l’inferno è lastricata di buone intenzioni”, in questo caso si sono tradotte nel fatto che il piano lo uso pochissimo. Davvero pochissimo. Quanto pochissimo? Boh, meno di un’ora al mese di media.

C’è stato un periodo in cui mi sentivo in colpa per questa cosa, poi c’è stato un periodo in cui davo la colpa al fatto che mi stessi dedicano di più alla chitarra, poi ho avuto altro cui pensare e semplicemente era lì, con la sua copertina antipolvere e robe buttate sopra.

Ieri l’ho riacceso, mi ci sono seduto davanti e l’ho usato. L’ho usato per un’oretta abbondante, non oserei dire che l’ho suonato, con uno scopo molto preciso: volevo capire quante cose ci fossero dentro a questa serie di note:

C C# D D# E F# G A B

Avevo iniziato a scrivere le possibili “scale” su un foglio durante l’ennesima call di cui avrei fatto a meno, ma dopo poco mi son reso conto che avrei avuto bisogno di suonarle, di sentire gli intervalli, di provare motivi e brutture melodiche per riuscire a rendermi conto di “cosa c’è in quelle note”.

Così a tarda sera l’ho acceso e son partito dal facile, il C lidio (C D E F# G A B), ma poi l’appetito vien mangiando e quindi ho pensato che avrei potuto usare tutte le note insieme, sfruttando le caratteristiche di vicinanza delle prime e di lontananza delle ultime.

E così ho fatto e sono stato contento.

E perché allora il titolo? Beh, banalmente perchè mi sono reso conto che a forza di scrivere con e per la chitarra, la mente all’inizio andava a schemi “chitarristici” e mi ci è voluto un po’ a ritornare a cercare qualcosa di più “pianistico”.

Quindi ecco perchè serve avere più strumenti, o almeno strumenti che siano organizzati in modo diverso (la tastiera del pianoforte e il manico della chitarra sono molto diversi), perchè ognuno ti porta a cercare armonie e melodie più facili da suonare sullo specifico strumento e questo si riflette nella composizione a volte in modo inaspettato.

La mia piccola esperienza mi dice che serve questo set di minima:

pianoforte/master keyboard a 61/88 tasti

chitarra elettrica

basso elettrico

due bacchette del cinese

Del piano ho già scritto anche troppo sopra.

Le bacchette del cinese sono essenziali per quando vuoi cercare un ritmo e non vuoi fare troppo rumore, che le bacchette picchiettate sul bordo della scrivania non disturbano molto.

La chitarra serve elettrica perchè unisce il poco rumore di quando la suoni scollegata alla versatilità timbrica di quando la colleghi.

Il basso serve perchè non è “una chitarra due ottave sotto, ma con meno corde”, è uno strumento ritmico e armonico, nel senso che serve tanto per caratterizzare e riempire le armonie, in un modo che non pensavo fino a quando non me ne sono regalato uno (l’unico strumento che mi sono preso nuovo, per il resto tutto usatone).

Pippone finito.

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Siamo entrambi invecchiati, ma siamo sempre bellissimi come allora (qualcuno deve pur dire la verità), come si vede da questo selfie da vecchi (inquadratura sbagliata, luce pessima, bocca non a culo di gallina, ecc.)

E cosa c’entra con la musica? Niente, a parte che l’amico mi ha parlato di un musicologo/archeolog dell’Università di Ferrara che fa dimostrazioni di possibili usi di strumenti ritrovati in epoche molto antiche (neolitico e prima), ipotizzando anche la musica che avrebbero potuto immaginare i “preistorici”.

Si tratta di questo tipo qua: Trame di Storia - Simone Pedron

E cosa c’entra con i Bruti? Beh, niente, ma se ci incontraste di notte in una via male illuminata immagino che non avreste una buona impressione di noi.

Invece da qualche settimana ho ricomprato un vecchio amico, il primo synth fisico con cui ho iniziato a spippolare qualche anno fa: Arturia MicroBrute.

L’ho ricomprato usato, come il primo, ma sto giro sono incappato nel suo (unico?) maggior difetto: i maledetti pomelli che diventano appiccicosi come le mani dei miei figli dopo merenda.

Così ho ingaggiato un amico che stampa robe 3D amatoriali e ho aperto richieste di supporto ad Arturia, con il risultato che l’amico mi ha stampato pomelli, rotelle e pulsanti e Arturia ha decretato che sono un “loyal customer” e mi ha spedito gratis i pomelli di ricambio.

Cosa è la customer satisfaction

Beh, è che tu scrivi a un’azienda, gli dici che hai comprato un loro prodotto di 10 anni fa usato, loro guardano che sì, negli anni hai anche comprato altra roba loro, tutta roba che in totale avrò speso 250 euro in 5 anni, e l’azienda decide che alla fine possono sacrificare 20€ di profitto per risolverti un problema.

Ecco, questo è quello che andrebbe insegnato ai contafagioli del finance che son fissati con EBITDA e ROI: per 20€ di “investimento”, avete il ritorno di uno che (gratis) dice a tutti che siete un’azienda che merita i soldini.

Il MicroBrute, dicevamo. Ecco, alla fine l’ho poi pulito e sistemato e già che c’ero ho anche fatto un po’ di color coding dei pomelli.

In sostanza: pomelli del medesimo colore non standard influenzano elementi sonori correlati direttamente.

Adesso è così:

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A che serve un monosynth analogico di 10 anni fa, che tra l’altro hai pure Pigments che fa tutto quello che fa sto bidone?

Principalmente serve a due cose:

1. A focalizzare l’attenzione : è un monosynth con possibilità di miscelare 3 forme d’onda in modo continuo (triangolare, quadra, dente di sega aka i pomelli bianchi a sinistra), con un LFO, un inviluppo, un filtro. Così ti sviluppi e impari a fare i suoni belli con poco.

2. A divertirti : anni fa feci un brano di tipo 8 minuti dal titolo “Basta un SI”, in cui avevo incastrato un pezzo di cartone sotto al 3° tasto bianco (un Si, per l’appunto) e per otto minuti mi son divertito a modificare ciò che ne usciva. Beh, mi sono divertito molto. Anche perchè sto coso è pensato in ottica modulare e quel brav’uomo di Yves ci ha messo gli ingressi CV… per cui ad esempio puoi banalmente buttare fuori il tuo LFO e ributtarlo nell’ingresso Gate e… scoprilo che ti diverti!

3. Sì, ho detto che serve a due cose, ma la coerenza è la virtù degli imbecilli e io non lo sono. La terza è che serve come sorgente sonora da buttare dentro una catena di effetti digitali e, incredibile, divertirsi e sperimentare.

Quindi un monosynth nel 2025 serve a fregare tutti i venditori di cose costose bellissime che però poi alla fine non hai il tempo di approfondire e usi 3 preset della minchia che potevi trovare anche in SurgeXT o Vital a gratis.

Bene, adesso vado a studiare chitarra, che la musica che scrivo non si suona da sola.

Per fortuna della mia stabilità economica e familiare non mi sono mai avventurato nel mondo EuroRack, perciò è con estrema curiosità e gioia che apprendo che a fine estate (speròm) uscirà MAGNOLIA .

L’hanno presentato al SuperBooth, ecco l’intervista:

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A me fa piacere vedere la crescita di questi ragazzi, perché è proprio bello vedere che piccole realtà di piccole sperdute periferie dell’impero (la bassa modenese) ci mettono dell’Usta nel fare dei Bagaj per fare musica.

Quindi speriamo davvero di metterci le mani sopra (ancora non esiste un prezzo, quindi sognare non costa nulla…)

Volevo mettere il bell’IFrame di Bandcamp, con il player e le altre fighinate del web moderno ma… non funziona.

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La copertina è questa:

Ma perchè l’hai fatto?

Eh, lo so, non è semplice comprendere certe scelte scellerate.

Però sentivo il bisogno di esprimere cosa mi trasmettono le stagioni, usando il mezzo espressivo che padroneggio meglio (pensate a come disegno bene).

Non potevi farlo fare a uno bravo?

In realtà uno bravo ci ha messo del suo, nel guidarmi e insegnarmi e anche per tutto ciò che è la produzione (che io poi non lo so come faccia, ma tu gli mandi una roba che suona una merda e lui ti ritorna una cosa che dici “però, si ascolta anche volentieri”).

E allora perchè ci ammorbi anche con sabsteck?

Perchè sono del segno del Leone con ascendente Scorpione, sono logorroico e ho avuto una solida formazione scientifico-ingegneristica, pertanto è ovviamente dimostrabile che la realtà esiste solo per il mio volere.

Ma essendo anche di profonda bontà di cuore, vi dedico del tempo cosicchè possiate dissetarvi delle gocce (DROPS) del mio sentire.

Vuoi quei kiwi?

Mi piacciono i kiwi, ma preferisco gli EURO, che qua non è che ci pagano per stare a mezzanotte passata a cercare di spingere la propria musica.

Quindi tenetevi i kiwi e sganciate la QUATTROEURO su Bandcamp che così divento ricco.

Sto giro non la fai l’edizione fisica molto figa come l’altra volta?

No, la risposta sta nella domanda dei kiwi.

Però se qualcuno ci tiene ad avere un ricordo, basta chiedere e mando un CD audio (utile anche per spaventare i piccioni, se lo appendi sul balcone).

Ovviamente mica gratis e solo finchè non finisco il cilindro di CD che ho nel cassetto.

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